полиостинатная форма в музыке это
Полифония
Первые зачаточные примеры полифонии зафиксированы в Musica enchiriadis (конец IX или начало X в.), однако полифоническая практика предшествует письменным источникам. История полифонии совпадает с историей западной культуры и является ее специфическим характеристическим аспектом по отношению к неевропейским цивилизациям. В некоторых случаях внеевропейским цивилизациям оказывается чуждым само понятие полифонии, т.е. одновременное наличие двух или более мелодических линий голосов, звучащих синхронно с последующим сложным развитием тематического материала. Часто этот термин используется как синоним контрапункта (сочетание различных самостоятельных музыкальных линий), но в строгом смысле слова он имеет более широкое значение : любой тип одновременно звучащих различных звуков, образующих цепочки аккордов гармонии.
При желании установить дату появления полифонии, какой бы условий она ни была, следует начинать с конца IX в., когда был засвидетельствован вид двойного горизонтального пения, названного органумом, или диафонией.
Органум (от лат. Organum – орудие, инструмент) ознаменовал собой переход музыкального мышления на более высокую ступень – гармоническую вертикаль. Основными видами органума являются параллельный, в которой мелодия (главный голос vox principalis) дублируется в кварту или квинту (IX – X вв.); свободный с использованием противоположного моноритмического движения голосов (XI – XII вв.); мелизматический, в котором на один слог текста приходится несколько звуков контрапункта (XII в.). Завершающая точка процесса развития органума была поставлена парижской школой Нотр-Дам в лице Леонина и Перотина. После наивысшего расцвета в XIIIв. Органум начал приходить в упадок.
XIV в. во Франции
В настоящее время термин Ars antiqua используется некоторыми учеными в более широком хронологическом значении; им охватываются первые формы полифонии XI в., школа Нотр-Дам с Леонином и Перотином, школа Франкона и Пьера де Ла Круа, главным центром который был Париж. В более строгом понимании и в соответствии с первоначальным определением (исключив соответствующие тому времени одноголосные формы музыкального творчества трубадуров и труверов) Ars antigua можно считать переходным периодом между парижской школой Нотр-Дам со всеми ее формами и техникой композиции и Ars nova (новым искусством).
Предшественники: школа Нотр-Дам и ее представители
Группа музыкантов, имена которых в большинстве случаев история не сохранила, способствовавших в период примерно с 1150 по 1250 г. Развитию и расцвету первых способов полифонической записи, уже были сочинены Леонином органумы и исполнен четырехголосный органум Перотина.
Перотин, или Магистр Перотин, вероятно, творил в конце XII в. и в первые два десятилетия XIII в. Он был крупнейшим представителем школы Нотр-Дам в период ее наивысшего расцвета и принадлежит к поколению, последовавшему за Леонином. Перотину приписывают сложные композиции двух четырехголосных органумов (Viderunt omnes u Sederunt principes), беспрецедентные в полифонии той эпохи, различные трехголосные органумы, клаузулы и кондукты. Ему приписывают также изобретение клаузулы – полифонического двухголосного (иногда трехголосного) сочинения, предназначенного для замены части органумов Леонина, излишне затянутой в некоторых разделах литургии и имевшей большое значение в образовании мотета. В полифонической музыке XVI в. клаузула была кадансовой формулой. Кондукт, полифоническое сочинение на латинский текст на 2 или 3 голоса, считается типичной формой школы Нотр-Дам и Ars antiqua, но использовался также в XIV в. До появления полифонии кондукт был монодий ной формой и носил религиозный характер. В XIII в. одноголосный кондукт входил в литургическую драму.
Типичные формы Ars antiqua
Одной из наиболее распространенных музыкальных форм был мотет, образованный добавлением текста к верхнему голосу клаузулы и развивавшийся в сторону все большей независимости голосов (в основном трех). Тексты для разных голосов были различны. Сначала все тексты писались на латинском языке, затем были введены светские тексты на других языках. Еще одной типичной формой этого времени был рондель, своего рода простой канон (знаменитый английский Летний канон Samer is icumen in). Параллельно изменялись и приемы нотации: постепенно исчезали модусные формулы, уступая место все более точной мензуральной нотации и открывая путь метрическим сложностям Ars nova.
Теоретические источники Ars nova
Ars nova во Франции
Главным центром Ars nova был Париж, в котором существовала полифоническая традиция Нотр-Дам и Ars antiqua, в которую новая школа внесла свою лепту: тенор в изотермии (изотермия основана на идентично ритмическом движении музыкальной фразы в следующей фразе, построенной из других нот). Благодаря французскому Ars nova полифония перестала быть исключительно церковным стилем и перешла в разряд также и светской музыки. Наряду с мотетом, все больше приобретавшим светский характер и становившимся свободным и более сложным в полифоническом движении, утверждались новые жанры: баллада, рондо, виреле и ле (последние в большинстве случаев оставались одноголосными). Господствующей фигурой в Ars nova Франции был Гийом де Машо. После него установилась тенденция ко все более вычурной сложности, проявлявшейся в усложнении нотации и в сложном ритмическом рисунке произведения.
Гийом де Машо
Музыка Италии
Расцвет Ars nova пришелся на XVI в. В Италии не было доминирующего культурного центра, каким во Франции являлся Париж; музыканты Ars nova творили во многих местах, разбросанных по всему полуострову, особенно в центральных и северных областях (наиболее крупными центрами были Болонья и Флоренция). Полифония итальянского Треченто (XIV в.) носила преимущественно светский характер и разрабатывалась в жанрах мадригала, каччи и баллаты.
Наиболее яркими музыкантами были Якопо да Болонья (XIV в.), Герарделло Флорентийский (умер в 1362/64), Джованни из Каши (или из Флоренции, XIV в.) и Франческо Ландини, известный как Франческо Слепой. Ландини (между 1325 и 1335, Фьезоле – 1397, Флоренция) занимался изготовлением органов, был поэтом и импровизатором. Ландини интересовался музыкальной и органной теорией, изобрел струнный инструмент серена серенарум, однако слава к нему прежде всего пришла как к органисту. Как композитор он наиболее ярко проявил себя в искусстве Ars nova. В его богатом творческом наследии насчитываются 12 мадригалов, одна качча (жанр посвящен охоте) и одна песня виреле, вызывающие восхищение из-за синтеза строгости техники и лирической непринужденности мелодии, 91 баллада на 2 голоса и 47 – на 3 голоса. Их отличает тип каденции (называемой каденцией Ландини), использовавшейся довольно часто композиторами Треченто и Кватроченто (XV в.)
Основными теоретиками в тот период были Маркетто Падуанский (конец XIII – начало XIV) и Просдочимо де Бельдемандис (1380 – 1420). К концу XIV в. начался более интенсивный обмен между итальянским и французским Ars nova, что привело к усложнению нотации и форм.
Мадригал, качча и баллата
Другой типичной музыкальной формой итальянского Ars nova, прежде всего первой половины XIV в., является качча: название происходит от темы поэтического текста, описывающего сценку охоты или рыбной ловли и носящего явный жанровый характер; однако она отличается от используемой во французской песне шас (охота), в которой 2 верхних голоса имитируют друг друга. В музыкальном отношении качча представляет собой 2-голосный канон, поддерживаемый тенором, по большей части инструментальный, создающий эффект эха и диалога. Метрическая структура текстов, порой родственная структуре мадригала, со строфой ритурнеля часто выпадет из строфической схемы и тем самым больше соответствует импрессионистически-описательному характеру темы.
ВАРИАЦИОННЫЕ ФОРМЫ
Вариационность – явление всепроникающее. Её относят в разряд принципов художественного мышления. Вариационность может проявляться в самых различных формах, даже песенных.
Вариационная форма – явление более узкое, чем вариационность, это определённый тип воплощения вариационности и одновременно её высший тип, поскольку вариационность выражена последовательно, на основе сложившихся композиционных систем.
Вариационные формы имеют следующие разновидности:
1. Формы с tenore ostinato на основе техники с cantus firmus.
2. Формы с basso ostinato.
3. Формы с soprano ostinato.
4. Полиостинатные формы.
5. Тема с вариациями (классический тип)
6. Тема с вариациями (романтический, характерный тип).
7. Симфонизированные вариации на классической основе.
8. Слитно-вариационные формы на основе темы в музыке ХХ века.
9. Вариационные формы на основе серийной техники.
10. Вариации ХХ века с новой трактовкой фактора темы.
Происхождение вариационной формы восходит к незапамятным временам, поскольку связано с фольклорными истоками. В частности, песенная (куплетная) вариационность имеет древнейшие корни. Смена слов в куплетах – уже вариации. Импровизационность народной музыки обусловливает отсутствие системности в проведении вариационного принципа.
Первые вариационные формы профессиональной музыки связаны с опорой на cantus firmus. Такие вариационные формы проявились в мессах и мотетах XV века. В XVII веке появились вариации, построенные на сплошном повторении в басу одного и того же мелодического оборота. Такой бас, состоящий из многократного повторения одной мелодической фигуры, называется basso ostinato (упорный бас). В вариационных формах с basso ostinato создавались пассакалии и чаконы. Историческое развитие форм с basso continuo прерывалось в XVIII-XIX веках. Около полутора веков композиторы не обращались к этому типу формы. В ХХ веке произошёл возврат к идее старинной вариационной формы, но обновление музыкального языка повлекло за собой симфонизацию вариационных форм с basso continuo и повышение экспрессии.
Вариации на выдержанную мелодию, которая тяготеет к песенной форме и повторяется остинатно в любом слое фактуры, исключая собственно бас, принято называть вариациями с сопрано остинато. Исторические корни этой формы уходят в глубокую древность, но её композиторское осмысление произошло уже в «золотом веке» гармонии, а вариации на выдержанную мелодию появились в первой половине XIX века. Такой тип вариаций встречается в квинтете «Форель» Шуберта, в Сонате для юношества ор 118 № 1 Шумана. Однако подлинным основателем формы является М. Глинка, с которым связаны стабилизация формы и её заметная роль в русской музыке, не случайно такие вариации называют «глинкинскими» Становление этого типа вариаций связано с историей русской оперы. Оперы Глинки дали толчок к развитию куплетно-вариационной формы с сопрано остинато не только в опере, но и в камерной вокальной, а позднее и в симфонической музыке.
Классические вариации – это тема с вариациями. Темой с вариациями называется форма, состоящая из первоначального изложения темы и нескольких повторений в изменённом виде, и называемая вариациями. Схема такой формы может быть представлена в виде
Классические вариации называются строгими или орнаментальными. Их прототипами являются танцы с дублями.
Тема может быть авторской или заимствованной. Если вариации включались в сонатно-симфонический цикл, то темы создавались авторские. Тема была гомофонная, она воплощалась в форме периода, простой двухчастной или простой трёхчастной форме. Темп обычно средний, чтобы можно было наращивать ускорение через увеличение ритмоплотности или осуществление контрастного включения в форму медленной вариации. Тональность обычно выдерживается от начала до конца. Если происходит смена лада, то обязателен возврат назад. Мелодия и гармония сохраняются узнаваемыми. Используется орнаментально-фигуративная техника, так как вариации фактурные. В качестве образца могут быть рассмотрены вариации (первая часть) из бетховенской сонаты ор. 26.
Двойные вариации – это вариации на две темы. Схема такой формы может быть оформлена следующим образом:
В качестве примера могут быть рассмотрены гайдновские вариации “La Roxelane”.
Если же темы контрастны, то вариации концентрируются вслед за своими темами, образуя тематические группы:
Так, в «Камаринской» М. Глинки сначала звучат свадебный напев и три вариации на него, затем плясовая и 13 вариаций, из которых первые 6 с неизменной мелодией, затем следуют строгие вариации и опять группы вариаций на первую и вторую темы.
Вариации эпохи романтизма получили название свободных, или характерных. Свободная вариационность означает нарушение тематической структуры и активное контрастирование двух разновидностей:
1) с преимущественным удержанием формы темы – в качестве примера могут быть рассмотрены «Симфонические этюды» Р. Шумана;
2) с постоянным нарушением формы темы, нередко с введением фуг и т.д. В качестве примера могут быть рассмотрены поздние циклы Бетховена, многие вариационные циклы Брамса.
В качестве примеров симфонизированных вариаций могут рассматриваться «Симфонические вариации» Ц. Франка, «Рапсодия на тему Паганини» С. Рахманинова.
В ХХ веке возникли новые разновидности вариационных циклов. Среди них полиостинатные формы, вариационные формы на основе серийной техники и т.д. Полиостинатные вариации тяготеют к слитности и в большинстве случаев достигают её абсолютного выражения. Третий концерт Р. Щедрина написан в необычной форме, в которой тема появляется как итог вариационного развития.
К концу ХХ века традиционная «тема с вариациями» утрачивает актуальность. Получила развитие серийная вариационность (синтез свободной серийности и сонорики). Тема заменяется понятием «центральный элемент» с конструктивно-ведущей функцией. Вслед за А. Бергом и Э. Денисовым многие композиторы стали разрабатывать этот новый принцип вариационного развития.
1. Проведите анализ следующих произведений: Й. Гайдн. Вариации “La Roxelane”; Л. Бетховен. Шесть лёгких вариаций на швейцарскую тему; В. Моцарт. Вариации на тему “Ah! Vous dirai-je, Maman”; Д. Кабалевский. Вариации ре минор; Р. Шуман. Симфонические этюды.
2. Определите тип вариаций, средства варьирования, использованные в «Каприччио на русские темы» М. Глинки.
РОНДО
Рондо называется такая форма, в которой одна и та же тема проводится не менее трёх раз, а между её проведениями помещаются части иного содержания и, чаще всего, каждый раз нового. Структура может быть представлена в следующем виде:
Основные принципы – репризность и контрастное сопоставление. Форма рондо происходит от хороводной песни с припевом. Термин «рондо» означает «круг», «хоровод».
Повторяемая тема называется главной партией (по старинной терминологии рондо (rondeau) или рефрен (refrain), то есть припев). Используемые обозначения: 1-е проведение главной партии, 2-е проведение главной партии и т.д. Части, расположенные между проведениями главной партии, называются эпизодами. Рефрен рондо выступает в роли initio по отношению к следующему за ним эпизоду и как terminus (реприза) по отношению к предыдущему, а функцию motus’a выполняют эпизоды.
Куплетное рондо возникло в гомофонной музыке, такая форма характерна для французских композиторов XVII – первой половины XVIII века. Основные черты музыки – отсутствие длительного сквозного развития, относительная замкнутость частей формы при их краткости, механичность сцепления частей формы. Части обычно краткие, но их много, поэтому формы получаются крупные. Произведения, написанные в форме куплетного рондо, часто имели программное содержание. Такие формы характерны для творчества Ф. Куперена. Написанная в форме периода главная партия могла быть слегка варьирована при последующих проведениях.
Эпизоды в раннеклассическом рондо дают небольшой тематический контраст, они могут включать элементы главной партии. Порядок тональностей может быть произвольным, хотя действует ограничение тональностями первой степени родства. Общий тональный план приближается к обычной формуле T D S T. Связующие части куплетному рондо, как правило, не свойственны, кода отсутствует. Старофранцузские рондо (старинные, клавесинные) обычно имели программно-изобразительные названия – «Кукушка» и «Курица», «Маленькие ветряные мельницы» и «Жнецы», «Единственная» и «Любимая». Общий характер музыки оставался вполне однородным и даже при достаточно драматических названиях – приятным и ласковым.
Рококо сменил сентиментализм (середина XVIII века), и в рондо вторглись контрасты, разработочные построения, активное тональное развитие, в которое мог вовлекаться и рефрен. Для такого рондо, как можно наблюдать у К.Ф.Э. Баха, более характерно освобождение от норм предшествовавшего стиля, чем утверждение каких-либо своих.
Исторически следующей разновидностью явилось рондо зрелого классицизма – классическое, или простое рондо. Для простого рондо характерно стремление к сквозному развитию и преодолению разобщённости частей формы. Появляются связки, кода. Вносится вариационность, усложняется схема.
В классическом рондо главная партия замкнута. Она строится чаще всего по типу простой двух- или трёхчастной формы. Эпизоды в этой разновидности пропорционально шире, разнообразнее по форме. Написаны эпизоды в простой двух- или трёхчастной форме, иногда в форме периода. Первый эпизод может быть неустойчивым построением серединного характера. Второй эпизод приближается к роли трио в сложной трёхчастной форме с неполной репризой. Возникает следующая схема:
как бы одна часть трио реприза
Различия двух форм:
1) главная партия рондо обычно двух- или трёхчастна, а не период, как в простой трёхчастной (как раздела сложной трёхчастной);
2) первая часть сложной трёхчастной формы однотемна, а в рондо первый эпизод вносит тематический контраст;
3) весомость трио в трёхчастной форме больше, чем эпизода в рондо.
Такое рондо включает связки и связующие части разработочного характера на основе материала темы, вступление которой таким образом подготавливается. Кода основывается на материале прошедших тем. Разработочное развитие в целом не свойственно этой форме. Особой сложностью отличаются финалы сонат В. Моцарта, которые могут включать по два эпизода подряд. Рондо XIX века становятся более свободными. Средние проведения главной партии могут быть в подчинённой тональности ради колористического разнообразия и преодоления статичности формы. Связующие части разработочного характера уменьшают степень замкнутости частей. Материал для эпизодов трактуется свободно.
Рондо часто представляет собой самостоятельное произведение, нередко программное (фортепианное рондо Л. Бетховена «Гнев по поводу утерянного гроша»). Рондо может быть частью циклического произведения, оно чаще всего используется в финалах, иногда появляется в средних частях. Рондо используется в оперной музыке вплоть до придания рондообразной структуры целому акту или картине. В качестве примера может быть рассмотрен финал 1-го действия оперы «Снегурочка» Н. Римского-Корсакова. В русской музыке рондо часто используется в вокальной музыке в связи со структурой текста.
1. Проведите анализ следующих произведений: Ф. Куперен. «Развевающиеся ленты», «Жнецы»; Л.К. Дакен. «Кукушка»; В. Моцарт. Соната К. 570, финал; В.А. Моцарт. Фортепианное трио C-dur, финал; Л. Бетховен. Соната № 1, финал; Д. Кабалевский. Сонатина C-dur, финал.
2. Сравните строение романсов М. Глинки «Ночной зефир» и А. Даргомыжского «Ночной зефир струит эфир…».
3. Составьте схему строения финала фортепианной сонаты № 11 В.А. Моцарта.
Дата добавления: 2015-01-29 ; просмотров: 123 ; Нарушение авторских прав
Полиостинатная форма в музыке это
Что такое полифония: определение, история, виды, жанры, композиторы
Полифония представляет собой многоголосный склад музыки, основанный на развитии относительно свободных голосов. В переводе с греческого polusозначает много, phone– звук. Эта композиционная техника предшествовала гомофонно-гармоническому складу. Разница полифонии и гомофонии существенна. Если в полифонии используется тема и она проводится в разных голосах, то в гомофонии есть ведущая мелодия, которая сопровождается аккомпанементом.
История становления и развития полифонии
Первые полифонические произведения были написаны еще в IX веке. Тогда это были лишь первичные формы многоголосия – органумы. Движение голосов синхронно и строится на консонансах. Используется в церковной музыке, в основе органума григорианский напев.
Параллельно с церковной музыкой полифония проникает в светскую музыку труверов (трубадуров). С XIII по XIV век преобладает вокальная музыка, инструменты лишь служат дополнением к пению. Увеличивается количество голосов, усиливается контраст между ними.
В дальнейшем музыковедами выделялись два основных вида полифонии:
Строгий стиль тесно связан с вокальной музыкой, позднее с инструментальной. Расцвет и зрелость техники приходится на XV-XVIвек. Имеет большое количество правил, связанных с написанием мелодий, употреблением диссонансов и их разрешением.
Свободный стиль преобладает в инструментальной музыке XVIII века и тесно связан с эпохой барокко. Усовершенствованием инструментов, а также появлением темперированного строя существенно расширяют сферу музыкальных образов. Свободный стиль связан с освобождением от ограничений, имеющихся в вокальной музыке. Происходит обогащение приемов развития.
Рассмотрим более детально особенности каждого из стилей.
Строгий стиль: характерные черты, термины и понятия
Понятие «строгий стиль» имеет художественно-историческое значение и тесно связано с хоровой и музыкой acapella. Исходя из возможностей человеческого голоса были сформированы чёткие правила написания мелодий строгого стиля:
Также мелодия не строилась по аккордовым звукам, так как во времена формирования строгого стиля не существовало понятий о гармонии, об образовании аккордов. Это объясняется тем, что не было темперированного строя и тональности.
Но недостаточно было сочинить мелодию для получения полифонии. Необходимо было еще соединить ее с другими голосами. С целью соединения использовались различные техники, основными из которых являются:
Со временем инструменты становились совершеннее, что поспособствовало к их самостоятельности и независимости от голоса человека. Появлялись особые музыкальные интонации-символы, создающие язык инструментальной музыки. Это стало основной причиной перехода к свободному стилю.
Свободный стиль: характерные черты, термины и понятия
Свободный стиль является художественно-историческим понятием. Выделяется в музыке с начала XVIIIвека, активно применяется композиторами и в наше время. Появление свободного стиля обосновывается увеличением технических возможностей инструментов, а также формированием темперированного строя.
Для большинства полифонических произведений, в том числе фуг, написанных в свободном стиле характерно наличие следующих музыкальных элементов:
Развитие музыкального материала может достигаться при помощи следующих приемов:
Основные полифонические жанры
Условно можно разделить полифонические жанры, относящиеся к строгому и свободному стилям.
К строгому стилю относят прежде всего вокальную музыку:
К свободному стилю относят как инструментальные, так и вокальные жанры:
Знаменитые композиторы в эпоху расцвета полифонии
Средневековая полифония
Эпоха ArsNova
Композиторы эпохи Барокко
Со второй половины XVIII века до нашего времени композиторы продолжают использовать полифонические техники и приемы, комбинируя их с гомофонно-гармоническим складом музыкальной ткани. Изначальная гармония, красота и совершенство полифонии стали для многих авторов символом упорядоченности, высокой духовности и нравственности. Так, применение полифонических жанров в крупных музыкальных формах имеет отсылку к миру идеальному и гармоничному.
Понравилась страница? Поделитесь с друзьями: